Poetica de Pier Paolo Pasolini

Pier Paolo Pasolini ha sido un artista desenvuelto en varios rubros : fue escritor de novelas, ensayos periodísticos y poéticos y obras de teatro, además de guiones cinematográficos y director de cine.

Dentro de éste último, se destacó por sus temáticas polémicas, su postura política definida y la recurrencia de la marginalidad, la pobreza y la delincuencia.

Su estilo, adherido a lo que se dio en llamar movimiento neorrealista italiano, es una suerte de evolución del mismo. Una “segunda etapa”.

Su técnica estuvo impregnada de cámaras ágiles, en mano, que siguen la acción con paneos y reencuadres constantes a medida que se desarrolla el movimiento dentro del plano. Abundan los planos generales, que sitúan la acción en un marco espacial, guardando distancia prudente de ella, y a la vez introduciéndonos en la situación. Da la sensacion de ser una cámara un poco espía, un poco ajena, un poco curiosa. Al ser planos largos podemos ver en simultáneo la acción de todos los personajes, sólo en los diálogos apuesta por planos cortos. Utiliza muchas puestas en abismo, la cámara es puesta por afuera de la ventana, o a través del marco de la puerta, dejándonos entrever qué sucede del otro lado. Acción fluida y mucho movimiento de personajes dentro del cuadro. Tomas al aire libre donde los personajes corren y la cámara los sigue. Uso de extensa profundidad de campo, figura y fondo permanecen en foco. Excepto por contados primeros planos.

Marcado uso del plano/contraplano para enfatizar lo que los personajes ven o hacen. Descripciones visuales extensas. Planos generales de espacios abiertos con paneos.

El tipo de iluminación es natural. Luz natural e iluminación de los espacios cerrados “no forzada” en tanto que no esta pensada o planeada para expresar mas de lo que se cuenta en acciones.

Diera la sensación de que Pasolini guia nuestra interaccion en la historia mediante el acercamiento y el alejamiento constante, dado por la puesta de camaras. A veces estamos "dentro" y a veces "afuera". Quizas porque muchas veces sus tematicas son tan fuertes que debemos asirlas con recelo. Ayuda a la tolerancia de algunas escens, sus colores no tan fuertes.

Aun a pesar de estar en contra de los poderes políticos, militares y eclesiásticos, su film “El evangelio según San Mateo”, aunque cargado de una ironía Marxista si se quiere, fue considerado por el propio Vaticano como una de las mejores películas del siglo XX.

Aborda temáticas profundas sobre la existencia del ser humano, la guerra y su critica constante de la burguesía. Y sus polémicas referencias hacia el sadismo, la degradación humana, el erotismo y lo pornográfico (como por ejemplo, su ultimo film “Saló o los 120 días de Sodoma”). Aunque ricas en diálogos agudos, el fuerte de las películas es la acción, y cómo logra que sus actores expresen a través de las miradas y las expresiones faciales y corporales. Aborda una tensión dramática lograda a través de silencios prolongados en atmosferas asfixiantes a pesar de los escenarios naturales. La luz solar es una de sus mas importantes herramientas de iluminación. Característica del Neorralismo. El uso de la banda sonora se supedita a lo diegético.

Ausencia de lei motivs. Sus películas, a priori, parecen estar dobladas en estudio posteriormente, en italiano, claro.

POÉTICA DE STEVEN SPIELBERG

Steven Spielberg es considerado un director muy exitoso en audiencia, por tener en su haber algunos de los mas grandes éxitos de taquilla de la historia del cine. Razón por la cual es tildado de comercial. Sin embargo, es menester subrayar que sí posee una forma particular, personal e intransferible a la hora de dirigir y producir y no es un simple repetidor de estereotipos y estructuras “exitosas” o “taquilleras”. Creo que lejos de obedecer guiones preestablecidos, cuadrados, que se repiten a lo largo y ancho de la historia, tiene rasgos de autoría innegables impresos en su obra.

A lo largo de su filmografía ha abordado temáticas tan distintas entre si (“Jaws” (1975), The colour Purple” (1985), “Jurassic Park” (1993), “Saving Private Ryan” (1999), “A.I.: Artificial Intelligence” (2001), “Cathc me if you Can” (2002), “The Terminal” (2004), “Horse of War” (2012), so sólo algunas de sus entregas) pero aun así podemos entrever rasgos en común empleados asiduamente en sus películas.

Por ejemplo, recurre a elementos poco cotidianos, o mejor dicho, fuera de lo común (Dinosaurios que cobran vida, un hombre forzado a vivir en la terminal, un chico capaz de viajar a través del tiempo, un extraterrestre haciendo contacto con humanos, un falsificador de cheques extremadamente hábil consigue escapar del FBI de insólitas maneras, caballos superdotados con sensibilidad antropomorfizada, entre muchos), rozando lo inverosímil, para dotar de plasticidad a sus historias y abordar los contenidos latentes o patentes en ellas (el concepto de la amistad, la tolerancia, el conocimiento del “otro” en E.T. por ejemplo).

También es llamativa su especial predilección por los mundos personales de protagonistas únicos, lo que le lleva a un marcado sentimentalismo, una empatía hacia el personaje. Nos hace conocedores de todo su contorno social, psicológico, físico e histórico. Logra tender entre él y nosotros un puente directo. Así, he observado que destaca, subraya, vivifica a los personajes en la escena mediante dos recursos:

·       De encuadre (penetración psicológica de la cámara en el personaje con primeros planos generalmente en un leve contrapicado).

·        De iluminación (creando ambientes que los matizan individualmente, ya sea con el rostro especialmente iluminado –generalmente desde abajo también- o con interesantes contraluces).

Spielberg caracteriza a sus personajes no sólo por diálogos e iluminación frente a la cámara, si no también por acciones o movimientos (coreografía o montaje interno). Un personaje entra en campo, o se acerca desde el fondo hacia la cámara hasta un primer plano.

Esta forma de realizar, que en sí suele ser común en muchos autores, Spielberg la emplea mecánicamente. En ella basa la planificación de la escena. También utiliza nuestra capacidad de asociar conceptos, asimilar situaciones y metáforas rápidamente. Suele entonces, comenzar una secuencia con un plano amplio (generalmente medio-largo) y para acentuar lo que pasa en ella, pasa por corte a un plano directamente más cercano (incluso hasta el plano detalle) de una sección de la escena que pasa a cobrar total relevancia y que es especialmente significativa para la acción (por ejemplo en “catch me if you can” pasa de un plano general de la casa a uno detalle del tocadiscos en su interior reproduciendo un disco. Lo importante de esta escena es que los padres de Leonardo Dicaprio demostraran su amor mediante un baile dinámico. Siguiente corte a un plano pecho de Dicaprio mirando fascinado a sus padres). Juega con la cámara para mostrarnos lo que le interesa del plano, por ejemplo, nos muestra dos planos iguales del mismo campo, con un contra campo entre ellos para significar plenamente lo que interesa al personaje desde cuya posición se coloca la cámara, o los elementos de la acción que van a tener importancia en la trama o narración. Y presenta los objetos en un tamaño mayor y más visibles para aumentar su legibilidad y conferirles mayor importancia ante el espectador.

Además, es también conocido por las excelentes interpretaciones que logra arrancar de sus actores en cada situación dramática. Elige pequeños detalles en el comportamiento de sus actores para que describan a su personaje claramente, evitando así, redundantes tomas con diálogos monótonos o superfluos; Podríamos decir que prefiere o antepone la imagen a la palabra y pretende así que sean los personajes los que se autodefinan no por lo que dicen, sino por lo que hacen y así enmarcan mejor sus respectivas personalidades, sus interrelaciones y estado anímico.

Creo que busca (y casi siempre logra) moverse en un equilibrio innegable entre los aspectos técnicos y artísticos. Este recurso imaginativo no empequeñece, por otra parte, la sustancia temática que se desarrolle en cada película, y por tanto le sirve como línea de trabajo sea cual sea el género que pretenda dado que, como dije, se ha movido en la mayoría de ellos. Es como su modus operandi. Aunque también podría destacar su predilección  por las temáticas extraterrestres, futuristas, o calamitosas (guerras cruentas, como dinosaurios, tiburones gigantes, etc.).

En cuanto al trabajo sonoro, siempre presenta música e imágenes en perfecta unión.

Planos estilísticamente grandiosos que cuentan con el sonido como un refuerzo constante. Lento o rápido, mediante instrumentos de cuerda o de viento,

con toda la orquesta o sólo con instrumentos aislados, pero sobre todo con elementos

mutantes sobre el mismo. Además de utilizar lei motivs (como el famoso chan-chan-chan-chan en Jaws cada vez que éste aparece, a través de un plano subjetivo sumergido en el agua) como música caracterizadora de personajes específicos, o situaciones específicas.

Estos son los rasgos de estilo que considero, más característicos de Spielberg y que brillan por su precisión y la manera e que saltan primeramente a la vista.